Por Guadalupe Treibel
En su libro Lo
incapturable, Rubén Szuchmacher -figura sobresaliente en el campo de las
artes escénicas, no hace falta decirlo- recuperaba las palabras del gran
escenógrafo Saulo Benavente, que antaño escribiera que la escena “no es un
espacio vacío donde hay que ubicar los elementos escenográficos sino lo
contrario: es el espacio infinito y fluido colmado de objetos heteróclitos”. En
ese infinito, la escenografía y el vestuario, por derecho propio,
pertenecen al territorio de las artes, siempre y cuando no se las desatienda ni
se les baje el precio; ni se les imponga -como sucede con harta frecuencia-
cierto servilismo: el de ser simple y didáctica ilustración de la
dramaturgia.
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| Identity and Taste - Festival Exposure - Sadler's Wells Theatre - Londres - 2013. |
A través de su ecléctico trabajo, Gabriella Gerdelics se revela como una artista que enlaza reflexión estética con el hacer atento y riguroso en sus diseños de vestuario, escenografía para espectáculos teatrales, acá y en el exterior. Durante el largo tiempo que vivió en Gran Bretaña, GG se formó en la Royal Central School of Speech and Drama, de la Universidad de Londres, para luego hacer un posgrado en el London College of Fashion. En esos años, colaboró con diferentes artistas y compañías; entre ellos, Punchdrunk, Inspector Sands, The Clockwork Quartet, Charlotte Vincent. También con reconocidos diseñadores como Antony McDonald, Joanna Parker. Su trabajo fue visto y apreciado a lo largo y ancho: en Reino Unido, evidentemente, además de Bélgica, Polonia, Eslovaquia, Noruega, Alemania, etcétera. Algunas piezas descollantes, como Identity and Taste y Of Family and Deer, pueden verse en la galería que comparte Damiselas en Apuros a continuación.
Cabe mentar que,
nacida en Barcs, en una Hungría que todavía era parte de la Unión Soviética,
Gerdelics previamente había estudiado Historia y Literatura en la Universidad
Eötvös Loránd, en Budapest, saberes que evidentemente han enriquecido su
extendido quehacer en artes escénicas.
Residente en Argentina
desde hace aproximadamente 7 años, ha participado activamente -como suele ser
su estilo- en puestas de distinta índole, ya sea en creación de objetos, como
realizadora de máscaras y títeres, como escenógrafa, como vestuarista. Capaz de
tocar distintas cuerdas en armonía, actualmente tiene en cartel las
obras: El año de Ricardo, con dirección de Mariano Stolkiner, sobre
texto de la siempre iconoclasta Angélica Liddell, inspirado en el Ricardo
III de Shakespeare (dirección de vestuario); el exitosísimo
unipersonal El equilibrista, con Mauricio Dayub, dirigido por César
Brie (diseño de vestuario y escenografía móvil); El montaplatos, de
Pinter, cuyos protagonistas -masculinos en el original- los interpretan dos
actrices, llevado a escena por la compañía De Carencia Virtú (vestuario); el
espectáculo infantil Ana y Wiwi, de Lorena Romanin, “con música en
vivo, títeres y aires de campo”, sobre la amistad de una chicuela con su mejor
amiga, una vaca (diseño de escenografía y de vestuario).
Sobre puntos de
partida e inspiraciones, el diálogo entre las artes en el teatro y otras
cuestiones afines, conversa Gabriella Gerdelics con Damiselas.
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| Ana y Wiwi |
Tenés obras muy diferentes entre sí en cartel, ¿encaraste de manera diferente cada una de ellas?
- En
general, encaro todas las obras de la misma forma. Mi enfoque habitual consiste
en buscarle una expresión visual a la dramaturgia (es decir, aportar al
desarrollo de la dramaturgia visual) por medio de los colores, las texturas y las
formas de la escenografía y el vestuario. Para lograrlo, investigo no solo el
texto (cuando hay uno) sino que también asisto a su devenir en el proceso de
producción, en los ensayos, tratando de encontrar la forma de expresar ideas,
atributos, situaciones y dinámicas. Obviamente, intento adaptar mi metodología
a las necesidades, enfoques y estilos de los directores y compañías con los que
me toca trabajar, así como debo tener en cuenta los espacios, tiempos y
presupuestos en cada ocasión. También puede incidir el hecho de si participo en
uno o en varios rubros de determinado espectáculo.
¿Cómo nacen y se
depuran las ideas para el diseño de un espacio teatral, de la ropa que llevarán
los personajes?
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| El año de Ricardo |
- En mi caso, las ideas siempre nacen de un análisis del texto y de mi presencia en los ensayos, donde interactúo con el director o la directora y el resto del equipo. En estas dos instancias es donde despliego el trabajo de investigación conceptual que me permite alcanzar los objetivos que considero apropiados. Desde mi punto de vista, lo importante es poder realizar una búsqueda que permita encontrar la mejor manera de, como decía antes, sumar a la dramaturgia mediante su expresión visual. Entonces, intento pensar en las dinámicas que subyacen en el texto, en la psicología de los personajes, en la naturaleza de sus relaciones; y asimismo, en la visión de conjunto que quien dirige la obra intenta proyectar. Puede ser muy enriquecedor este carácter colectivo y colaborativo del trabajo.
¿Cuál sería
concretamente el punto de partida de tus creaciones?
- Suelo arrancar mostrando al director
referencias de distinto tipo que expresen las ideas y los conceptos que
considero importante destacar y expresar en la escenografía y el vestuario;
estas referencias nunca se corresponden con una situación teatral o de artes
performáticas. Una vez consensuadas dichas ideas, intento desplegarlas de una
manera que se corresponda al proyecto en cuestión. Una vez desarrolladas,
empieza el proceso de probar en la acción performática y el cuerpo de los
actores, sujetos de la acción, para luego volver a trabajarlas según los
resultados de la prueba.
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| El equilibrista |
¿Qué roles diferentes cumple el vestuario y la escenografía en los distintos géneros teatrales, incluida la ópera y el ballet?
- En términos generales, cumplen el mismo rol
en todos los géneros performáticos, adaptándose en cada oportunidad a las
necesidades físicas y dramatúrgicas específicas. Por ejemplo, una disciplina
donde la movilidad es un requerimiento, necesita un tipo de vestuario
determinado. Del mismo modo, una disciplina donde la oralidad está descartada
necesitará de otros elementos expresivos, entre los que se encuentran el
vestuario y la escenografía, para expresar su contenido dramático.
¿La escenografía es
una escritura de la escena, como lo indica la etimología de la palabra, una
puesta en forma del espacio?
- Por supuesto, la escenografía es la parte de
la dramaturgia visual materializada en objetos que no están -como el vestuario-
portados por el cuerpo del sujeto de la acción.
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| El montaplatos |
¿Lo deseable sería que escenografía, diseño de objetos y vestuario siempre pertenezcan al mismo creador? Has contado que, en Inglaterra, donde estudiaste y trabajaste, no hay una separación tan tajante entre ambas áreas, que se trabajan como una unidad.
- Efectivamente, como se trata de las distintas
partes que constituyen un todo visual, su diseño se ve favorecido cuando son
producidas como una totalidad. A veces, estas características se las da la
persona que dirige. Sin embargo, la mayoría de las veces los directores carecen
de una formación en diseño, más allá de su experiencia práctica y de su
conocimiento sobre artes visuales y/o los aspectos visuales de las artes
performáticas. Creo que cuando una persona especializada en diseño puede, en
asociación con la dirección, darle coherencia y unidad, la acción es más
potente y el resultado final más logrado. De este modo, se evita el riesgo de
caer en diseños que no son más que un cúmulo de referencias a otros trabajos.
¿Cómo se produce y
cuál es la importancia del diálogo, la articulación entre el vestuario y la
escenografía con la luz, el sonido? ¿Cuál sería el ideal del trabajo en equipo?
- La luz y el sonido son los componentes de la
dramaturgia visual y auditiva que no toman forma de objetos como el vestuario y
la escenografía. Tienen un papel fundamental en la dramaturgia y de distinto
modo desarrollan una unidad con los elementos objetivados. En el caso de la luz
es más que evidente ya que afecta directamente la apariencia física de la
escenográfica y el vestuario. En el caso del sonido, la relación es más
indirecta e inconsciente dado que predispone, condiciona una lectura
determinada de la escenografía y el vestuario. En los dos casos, es
imprescindible desarrollar ese trabajo colectivo y colaborativo que ya he
mencionado. A mi entender, la mejor forma de lograrlo es participando
activamente en los ensayos.
¿Es imprescindible un
conocimiento profundo de las artes visuales para tus oficios en el teatro?
Según tus propias palabras, en la charla que diste en el festival CON/TEXTO,
las pinturas del artista inglés William Hogarth, por dar un ejemplo, inspiraron
en parte tu tesis de maestría, la obra de danza Identity and Taste.
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| Identity and Taste |
- No sé si es imprescindible, pero creo que ayuda mucho. Sin duda, las búsquedas conceptuales se nutren del trabajo ya realizado por otros. Mirar las creaciones de diferentes diseñadores es una opción fácil, pero que lleva a un camino sin salida si termina en repeticiones que solo por casualidad responden a las necesidades del trabajo que se encara. Para mí, lo más interesante es investigar otras disciplinas artísticas, enfocándome no en sus formas sino en sus contenidos. Cuando miro trabajos de diseño arquitectónico, interiorismo, industrial, textil, gráfico, no me enfoco en los aspectos decorativos sino en la parte funcional y de concepto puesto que no busco elementos para incorporar en el diseño, sino ideas para profundizar que me puedan inspirar un diseño original para la producción particular en la que trabajo. Por eso, en general miro trabajos que tengan una importante veta artística.
¿Es posible que la
escenografía, el vestuario tengan un estilo, una marca de autor, o al
contrario, la diversidad de textos solo permite que se luzca la calidad de cada
trabajo?
- Desde mi perspectiva, cuando la escenografía
y el vestuario muestran un estilo marcado es porque el diseñador o la
diseñadora no está encarando el trabajo de forma conceptual; a menos que todas
las obras en las que participan sean del mismo autor, traten sobre la misma
problemática, sean encaradas del mismo modo por los distintos directores.
¿Siempre debería haber
un trabajo de investigación detrás de cada creación escenográfica, cada traje,
sobre la época, la clase social, el sentido del texto, o de la versión que
quiere dar el director?
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| Ana y Wiwi |
- Sí, por supuesto. Todos esos elementos son necesarios para que el diseño sea coherente con las ideas que el director o la directora quiere desarrollar, y consistentes con lo que el/la espectador/a va a entender. De nada sirve un diseño que se ve bien pero no expresa el sentido de la dramaturgia, o no es entendido porque los espectadores no relacionan sus formas con las ideas del texto o con los personajes.
Cursaste Literatura e
Historia en la Universidad Eötvös Loránd, en Budapest ¿En qué medida estos
estudios te han aportado a tu trabajo como vestuarista y escenógrafa?
- Me dieron elementos teóricos y no teóricos
que me facilitan el análisis de los textos escritos y la decodificación de los
contextos en los que se realiza la acción.
¿Qué importancia le
adjudicás a las máscaras?
- Las máscaras son otro elemento más de la
dramaturgia visual; incluso podría decirse que pueden ser parte del vestuario.
Creo que pueden jugar un papel importante en la dramaturgia visual, como lo
hicimos en Hostería Beninger
dirigida por Marcelo Katz.
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| Hostería Beninger |
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| The Clockwork Quartet - The Horse Hospital - Londres - 2009 |
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| Freeman Galope – Parrot {in the} Tank - Accidental Festival - Institute of Contemporary Arts - Londres – 2007 |
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| If That is All there Is - Inspector Sands - Lyric Hammersmith Theatre - Londres - 2009 |
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| La cautiva - Teatro fisico de Yamil Ostrovky - Centro Cultural Conti - Buenos Aires - 2017 |
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| Of family and deer - Auditorium Alandica Kultur & Kongress - Mariehamn, Finland - 2014 |
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| Parrot {in the} Tank - Evento VIP de inauguración de Liverpool Capital Europea de la Cultura 2008 |
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| Transitions - Yalla Theatre Company - Festival de Títeres de Bialystok - 2008. |
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| Gente Urgente – Compañía de Teatro Acrobático de la UNSAM |
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| Gente Urgente – Compañía de Teatro Acrobático de la UNSAM |
